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音乐欣赏名曲 宋朝音乐欣赏心得体会(大全11篇)

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音乐欣赏名曲 宋朝音乐欣赏心得体会(大全11篇)
时间:2023-12-27 06:25:02     小编:文轩

在日常学习、工作或生活中,大家总少不了接触作文或者范文吧,通过文章可以把我们那些零零散散的思想,聚集在一块。相信许多人会觉得范文很难写?下面是小编为大家收集的优秀范文,供大家参考借鉴,希望可以帮助到有需要的朋友。

音乐欣赏名曲篇一

宋朝是中国历史上一个著名的时期,其文化艺术辉煌灿烂,其中音乐更是气质高雅、艳丽多彩。近日,我在一次音乐鉴赏会上,有幸聆听到了一场关于宋朝音乐的演出,这让我收获颇丰。接下来,我将从曲目特色、表演方式、音乐特点、表现情感以及对现代音乐的启发五个方面阐述对宋朝音乐的欣赏心得体会。

首先,宋朝音乐的曲目特色是多样而精彩。在音乐鉴赏会上,有名的《岳阳楼记》、《渔家傲》、《山居吟》等乐曲轮番演奏,每一首曲目都具有独特的特点。其中,《岳阳楼记》以其抒情动人、意境深远的表现手法令人难以忘怀,《渔家傲》则充分展现了渔儿们朝气蓬勃、乐观向上的精神风貌,《山居吟》则以自然山水的美丽意象勾勒出山居诗人的追求与向往。每一首曲目仿佛是一幅画卷,在听众的耳边演绎出了一个个动人的故事。

其次,宋朝音乐的表演方式是丰富多样的。在音乐鉴赏会上,乐队演奏、声乐表演、舞蹈伴奏等形式都得到了运用。乐队演奏中,有笛子、琵琶、二胡等传统乐器的清脆悠扬,更有具有浓郁宋韵的竹笛声响。而声乐表演中,歌手们悠扬的嗓音唱出了宋朝词曲中的深情和故事,舞蹈伴奏中的舞姿优雅、动作矫健,更加强了宋朝音乐的表现力与魅力。这种多样的表演方式为观众呈现了一场精彩绝伦的音乐盛宴。

再次,宋朝音乐的特点是和谐、雅致而内敛的。宋朝时期,音乐追求的是“清、雅、丽、贴”四个标准,以此塑造出充满和谐美的音乐风格。在音乐鉴赏会上,曲目的演奏清脆动听,旋律婉转悠扬,给人一种宁静沉静的感觉。同时,音乐营造出的氛围富有雅致。每一首乐曲的旋律、节奏以及演奏技巧都经过精心设计,充分体现了宋朝音乐内敛而含蓄的特点。

其次是宋朝音乐能够表现丰富的情感。在音乐鉴赏会上,我深深感受到宋朝音乐所能表达的情感是多种多样的。有的曲目表达了对人生的憧憬与追求,有的曲目表现了对家园的思念与眷恋,有的曲目表达了对爱情的深情厚意。比如《山居吟》中的“水声山色共银娟,相邀矮树鳙乡村。翠籍红藓挑船渡,竴杉树直岸先风”,通过自然山水的描绘,表达了对山居生活的向往与追求。这些迥异的情感在音乐中得到了精妙的结合和完美的表现,使人们能够更好地感受音乐所传递的情感。

最后,宋朝音乐还给我对现代音乐的启发。尽管距离宋朝已有千年之久,但宋朝音乐所追求和表达的许多元素仍对现代音乐有着重要的影响。宋朝音乐中所强调的和谐美、内敛美和情感表达等都是现代音乐所追求的要素。无论在流行音乐中还是古典音乐中,我们都可以看到这些元素的痕迹。因此,通过对宋朝音乐的欣赏,我们可以更好地理解和欣赏现代音乐。

综上所述,宋朝音乐以其独特的曲目特色、丰富的表演方式、和谐的音乐特点、表现丰富情感以及对现代音乐的启发等方面,给人们带来了难以磨灭的艺术享受。通过这次音乐鉴赏会,我对宋朝音乐有了更深入的了解,并对现代音乐也有了新的思考。我相信,宋朝音乐的瑰丽与魅力将永远留在人们的心中,发扬光大。

音乐欣赏名曲篇二

班级:13英教1班。

学号:1328010025。

我是一个爱听歌的女生,只要有机会你就会发现我是插着耳机的。怎么说呢,音乐对人的身心有着很重要的影响。音乐不以说教的方式来传播,更多的是通过熏陶及感染的途径,潜移默化地来影响人的心灵,使更多地得到美的滋润。而对于我来说,周杰伦在我对音乐的看法中扮演了一个绝对重要的角色,当然不止于我,还有许许多多和我一样喜欢周杰伦音乐的粉丝。

早在初中的时候周杰伦已是家喻户晓的流行歌手了,特别是对于追崇流行趋势的青少年,更视其为偶像,为之狂热,好像只有听他的歌,唱他的歌,模仿他的一举一动才是理所应当。其实,那时候我对于班里面男生的那种狂热是表示不喜欢的',所以,当时我或多或少也有点不喜欢周杰伦的歌曲。然而,在我慢慢的开始听的歌开始,我就深深爱上了所谓杰伦的风格。具体从哪首歌开始喜欢上他我也记不太清了,总之,现在我每天都要听的歌,也算是一个生活习惯了。

我喜欢他的曲调风格,它总给人以一种意想不到的感受。他的歌曲涵盖了社会的各个层面,尤为擅长的是唱描写爱情的歌。他的《你听得到》唱出了恋人之间的依赖;近乎用哭腔来唱的《开不了口》,唱出了自己的后悔和绝望;《轨迹》唱出了自己在恋人离开后尝试去忘记她的复杂心情??周杰伦,无论是作词抑或是作曲都唯美得不可挑剔,令人感同身受。

有一种风格叫周杰伦,天马行空的歌词——“对了,我会遇到周润发,所以你可以跟同学炫耀赌神未来会是你爸爸。”《听妈妈的话》里面不知所云的吐字——“岩烧店烟味弥漫,隔壁是国术馆,店里的妈妈桑,柔道有三段。”《双截棍》潇洒前卫的节奏——“不用麻烦,不用麻烦了,不用麻烦了,你们一起上,我在赶时间,每天决斗观众都累了,英雄也累了。”《牛仔很忙》强烈的个人风格重塑了大众的音乐欣赏标准,改写了华语乐坛的流行方向,开创华语音乐“中国风”的先河,成为亚洲最具社会影响力和传奇性的偶像巨星。在台前,周杰伦的唱腔具有很强的多元性,也有很高的辨识度,很多人一下子就能听出周杰伦的声音。他在演唱不同曲风的歌曲时会采用不同的演唱方式,例如在唱抒情歌曲时他会用略带鼻音引吭高歌的声音;而在唱rap歌曲时则刻意咬字不清,重点是在以念词的律动去搭配音乐的节奏。也正是这种唱法,使得周杰伦的歌曲与方文山的歌词相得益彰,完美地呈现给观众。

周杰伦开创的音乐时代独树一帜,也正是因此“无与伦比”这个词有了两层含义。周杰伦写的音乐都具有强烈的个人风格,不管是词曲还是mv的拍摄。只要你是周杰伦的粉丝,哪怕是他写给其他歌手的歌,你都可以听出来这是周杰伦写的。周杰伦喜欢在音乐中添加各式元素,并且巧妙的融合。比如歌曲《本草纲目》,在此之前谁会将各类中药写成一首歌呢?他也常将日常声音或特殊风格的音乐衔接在歌曲中,如《夜曲》中的下雨声。而周杰伦与方文山的组合,也使他们的词曲更具有故事性与画面性。

都倾尽了他所有的心血.他的风格如何改变?他又需要改变什么呢?就像他在外婆里面唱的,我没输,不需要改变。我们需要的,只是他的真诚创作。

周杰伦的音乐不同之处在于,他不仅能将人们带入回忆,还能够将人们带出回忆,从短暂的回忆中发现对未来更的信心与期待。无论是《蜗牛》中“我要一步一步往上爬”的坚忍意志,还是《龙拳》中“我就是那条龙”的豪迈气概,周杰伦的歌曲充盈着激励人心的能量,而他对“中国风”的不懈追求,又将文学美与意境美注入音乐内,使其作为娱乐偶像的同时不失文化品味。

周杰伦的音乐已经主宰、甚至可能改变亚洲流行音乐界。即使去到当今的校园生活,周杰伦的影响力也显然存在,而且很大因为的他的影响不仅仅音乐这么简单,还有他的每首歌词的精华足以让学生们慢慢品味。就拿自己的亲身例子来说,高中写作文的时候,我发现很多人都喜欢在自己的作文里引用周杰伦歌曲中的经典歌词。周杰伦这样的偶像明星取代唐诗宋词,成为学生作文爱引用的“名人名言”,可谓是影响颇深。

如果说周杰伦出道的十年里,什么支撑了这个乐坛的繁荣发展,那么周杰伦的贡献一定不能小觑。从默默无闻的幕后工作填词人,到了今天歌影视三栖的超级明星,有多少人可以小刀这个年轻人会有今天的成绩。他不仅影响了这个乐坛,还影响了我们这年轻一代,告诉我们一个道理:只要把握住机会,敢于面对挑战,遇到挫折不气馁,总有一天,我们会拥有属于我们的一片天!就像周杰伦的歌词一样:“我要一步一步往上爬,在最高点乘着叶片往前飞,小小的天留过的泪和汗,总有一天我有属于我的天。”

以上就是我对传奇周杰伦的音乐所做出的相关欣赏。

音乐欣赏名曲篇三

周海红是中国著名的音乐家,他以他卓越的表演技巧和独特的音乐风格赢得了广大听众的喜爱。近期,我有幸参加了一场周海红的音乐会,深受其音乐的感染,留下了深刻的印象。这里,我将和大家分享关于周海红音乐欣赏的心得体会。

首先,周海红的演奏技巧无与伦比。他操纵钢琴键盘的手指灵活而有力,每个音符都恰到好处,既能准确地表达音乐家的意图,又能将自己的情感融入其中。在他的指尖下,一曲曲音乐如流水般流淌,仿佛在诉说着音乐的故事。他熟练而自如地运用飞指、跳音、颤音等技巧,将音乐的美妙展现得淋漓尽致。特别是在他演奏贝多芬的《命运交响乐》时,他充分发挥了钢琴的表现力,使得每个音符都充满了力量和激情,给人以震撼和感动。

其次,周海红的音乐风格独特而个性。他在演奏中既充满激情,又深沉内敛,给人以耳目一新的感受。在演奏舒曼的《幻想曲》,他展现了其宏大的音乐构思和独特的音乐表达,将听众带入了一个极富浪漫主义色彩的音乐世界。而在演奏李斯特的《匈牙利狂想曲》,他更是将那狂野奔放的东欧风情融入到了音乐中,使人仿佛置身于匈牙利的大草原上,感受到了那热情澎湃的魅力。他的音乐风格独特而个性,给人留下了深刻的印象。

另外,周海红的音乐传达了深邃的情感和世界观。他在演奏中通过音乐感染人心,让人沉浸其中,忘却尘世的烦恼。他的音乐既激情四溢又深情款款,给人以宁静与舒适的感受。在他演奏柴可夫斯基的《第一钢琴协奏曲》时,他将那激情燃烧的旋律展现得淋漓尽致,使人仿佛身临其境,感受到了那澎湃的情感和音乐的力量。周海红的音乐传达了丰富多样的情感和世界观,使人陶醉其中。

此外,周海红对音乐的热爱和奉献精神也深深地打动了我。他把音乐视为自己的事业和生命的一部分,并且用心去理解音乐、演绎音乐。他在音乐会上的表演上是全神贯注的,他用激情和精湛的技巧演绎每一首曲目,给人一种强烈的冲击力。他每一次演奏都是全情投入,身心力行地将自己与音乐融为一体,将音乐的美妙传递给每一个观众。他的热爱与奉献精神激励着我去追求梦想,用心去做自己热爱的事业。

总的来说,周海红的音乐欣赏给我带来了很大的触动。他卓越的演奏技巧、独特的音乐风格、深邃的情感和世界观、以及对音乐的热爱和奉献精神,都使我深深地被他的音乐所吸引。通过这次音乐欣赏,我对音乐的理解和欣赏又得到了一次提升。同时,这也让我更加坚定了追求梦想的决心,用心去做自己热爱的事业。我相信,通过不断地欣赏和学习,我对音乐的理解和欣赏会越来越深入,我自己也会在音乐的世界里越走越远。

音乐欣赏名曲篇四

一、活动目标:整个活动我抓住理解歌词、感受三拍子的旋律及体验歌曲情绪变化这三方面进行欣赏。所以在目标的安排上我也遵循了以上三点进行制定:

(1)欣赏歌曲《娃娃》,体验抒情优美的三拍子旋律。

(2)尝试运用语言、动作、表情等方面,大胆表达对歌曲的理解。

(3)激励幼儿不怕困难,保持乐观的心态,做一个快乐的娃娃。

二、重难点

本次活动的重点及难点都在于教师如何引导幼儿用语言、动作、表情等方面去体验歌曲的情绪变化。

针对此重难点,我采取的策略是在活动室中营造歌曲中的氛围让幼儿加以体验。雾来了,天色暗了,我事先给整个活动室挂上窗帘,关上灯,营造一种天色暗了感觉,让幼儿在这样的氛围中体验“娃娃”在森林里迷路了的害怕、恐慌心情;雾散了,天色亮了时,请配班老师开灯,让幼儿体验“娃娃”看到天亮了,感受有希望了的快乐心情。

三、活动准备

1、知识准备:幼儿多次感受过三拍子旋律的歌曲,会听二拍子、三拍子、四拍子的歌曲并能自己打节拍。

2、物质准备:整个活动室挂上窗帘;韩版《大长今》主题曲、中文版歌曲《娃娃》及《娃娃》的flash动画;背景音乐《娃娃》的钢琴曲。

音乐欣赏名曲篇五

小提琴是世界上最受欢迎的乐器之一,它拥有美好的声音和优雅的外观。小提琴协奏曲,也是我最喜欢的乐器。当我第一次听到小提琴协奏曲时,我深深地被它迷住了。以下是我在欣赏小提琴音乐时的一些心得和体会。

第二段:音乐和情感的联系。

小提琴是一种充满感情的乐器,它能引起人们内心深处的情感。很容易就能感受到小提琴协奏曲所表达的深情。音乐家们在演奏小提琴协奏曲时,他们不仅仅是演奏音符,更是传递情感。音乐家们能够通过音乐表达他们的思想和情感,无论是悲伤、爱、希望还是欢乐,音乐总能为我们的情绪带来共鸣。

第三段:华丽的技巧与演奏风格的不同。

小提琴协奏曲的演奏需要专业的技巧和精湛的能力,音乐家们必须具有高超的技巧和敏锐的感觉以及漂亮的音色。小提琴演奏家们所具备的演奏风格也不同,他们每个人在表演中都有自己的风格和特点。有人强调技术性,有人注重情感的表达,而有人仅仅注重音乐的感受。无论哪种风格,都会让小提琴协奏曲产生迷人的魅力。

第四段:诠释音乐的方式。

欣赏小提琴协奏曲需要注意的另一个方面是诠释音乐的方式。我们应该全身心地倾听音乐,尝试理解它所表达的情感和思想。每个人都可以用自己的方式去诠释音乐,但在深入理解音乐的基础上进行自己的理解和表达将会让我们更好地欣赏音乐。

第五段:结论。

通过欣赏小提琴音乐,我发现音乐可以带给我们更多美好的体验和感受。它能够不仅仅表达情感,引起我们深深地共鸣,同时还能够带给我们安静、放松和舒适。听音乐是一种可以使时间停滞的方式。感知音乐之美,世间最强之威力让我们觉得自己更加充实,也更加感谢存世的一切。

音乐欣赏名曲篇六

了解《卡门序曲》,让学生体会乐曲不同段落的思想感情,提高学生对欧洲古典音乐的兴趣。

【过程与方法】。

让学生聆听《卡门序曲》并引导学生对全曲进行分析,综合了解全曲。

【知识与技能】。

通过分析《卡门序曲》,让学生对乐曲结构有一定的把控能力,并提高学生对古典音乐的鉴赏力。

二、教学重难点。

【重点】。

分析《卡门序曲》的曲式结构分析,了解每个主题的音乐情绪。

【难点】。

《卡门序曲》曲式与传统的曲式结构不同,后面加入了与歌剧部分的连接段落。

三、教学过程。

环节一:导入新课。

1.为学生播放《卡门序曲》,并在投影仪上播放斗牛场图片,并让学生回答这首乐曲的整体情绪是什么样的。

2.学生回答完问题后给出答案:热烈欢快。

3.告诉学生这段音乐描绘的斗牛场的场景,它选自歌剧《卡门》。《卡门序曲》是歌剧开幕前的短曲,它综合的叙述了全剧发展的重要关键场面,奏出剧中代表主角的旋律。今天我将带领同学进一步了解此曲。

环节二:新课教学。

(一)剧情介绍。

歌剧《卡门》讲述了唐霍赛钟情于卡门,但卡门却与斗牛士埃斯卡米洛热恋起来,在一次斗牛活动中,埃斯卡米洛获胜。当群众正在欢呼的时候,唐霍赛杀死了卡门。随后,他自己也自杀身亡。所以整首歌剧塑造了卡门这个追求个性解放的妇女形象,最终却以她的死来结束,充满了悲剧色彩。

本剧以女工、农民出身的士兵和群众为主人公,这一点,在那个时代的歌剧作品中是罕见的、可贵的。因为作者的刻意创新,本剧在初演时并不为观众接受,但随着时间的推移,这部作品的艺术价值逐渐得到人们的认可。

(二)作者简介。

乔治·比才,法国作曲家,生于巴黎,世界上演率最高的歌剧《卡门》的作者。九岁起即入巴黎音乐学院学习作曲。后到罗马进修三年。1863年写成第一部歌剧《采珍珠者》。1870年新婚不久参加国民自卫军,后终生在塞纳河畔的布基伐尔从事写作。在音乐中他把鲜明的民族色彩,富有表现力的描绘生活冲突的交响发展,以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉,创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。其它作品还有歌剧《唐普罗科皮奥》。

(三)作品欣赏。

1.再次聆听全曲,并向学生询问:

(1)乐曲给了你们怎样的感受?

(2)乐曲一共分为几部分?

对学生的回答进行概括总结并告诉学生乐曲一共分成两大部分,第一大部分为abaca的回旋曲式。第二大部分为一个展开性段落。

(四)分段聆听。

1.为学生播放乐曲a段,让学生聆听并思考:

(1)这段音乐是什么情绪?(向学生提问后对学生的`答案做一个总结,并说出音乐表现了欢快热烈的情绪,表现了西班牙斗牛场上的喧闹、狂热的气氛)。

(2)为什么会产生这样的情绪?(a段音乐节奏紧凑,连续的十六分音符快速地奏出形成了这种热烈欢快的场面)。

播放一段斗牛士视频,从视觉角度让学生进一步感受其中的场面。

提问其中几个小组代表,并对学生们的回答进行总结并给出答案:表现的是妇女、儿童活泼欢快的场面。

请学生哼唱b段主题,让大家更好的记住b段主题。

3.为学生播放乐曲c段,并告诉学生这段音乐表现了斗牛士的英勇形象。

在屏幕上给出《斗牛士之歌》的谱子,并带着学生学唱这首歌曲。

4.打乱三个段落的顺序为学生播放,并找学生回答播放的是第几个段落。(引导学生说出正确答案并点评学生正确与否)。

环节三:巩固提高。

为学生讲解回旋曲式:回旋曲式是主题周而复始地循环往复,在其重复之间,插以对比性格的“插部”(副题),在回旋曲中,主要主题至少要呈现3次。这首乐曲的回旋曲式部分的结构是abaca。

为学生播放乐曲《献给爱丽丝》,聆听过程中依次为学生讲解这首回旋曲的曲式结构是如何划分的。

告诉学生由于序曲是歌剧的引子部分,所以这首乐曲在回旋曲结束之后又插入了一个展开性乐段,目的是为了与歌剧主体部分相连。

环节四:课后小结。

音乐欣赏名曲篇七

引导语:下面小编就给大家带来音乐欣赏入门,希望能够帮助到您,谢谢您的阅读,祝您阅读愉快。

即音的高低范围,它虽然有约定俗成的概念,但没有非常严格、确切的界限,所谓高音区、中音区、低音区是相对而言。对于各种乐器和各种人声的音区划分,它们的标准是不同的。比如钢琴上的中央c,即整个键盘中间的c音,对于小提琴来说,是低音区,可是对于倍大提琴来说,它就是高音区了;同样,男低音的高音区是女高音的中低音区,等等。我们这里所谈论的音区是以一个完整的管弦乐队或一个完整的合唱队为范畴的,它的概念是广义的,而不是针对某一件乐器或某一种人声。

音区是音乐写作中十分重要的一个手段,不同的音区可以表达不同的思想感情、模仿生活和大自然中的声音,同时,作品中音区的变化还会带来新鲜的意趣。通常来讲,高音区一般具有清脆、明亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、深沉之感(请注意:音乐中的各种要素都不可能孤立地使用,它们在和其他要素结合时会产生出各种各样的效果)。在模仿隆隆雷声时,作曲家常常会使用低音区的定音鼓,模仿云雀的婉转歌喉时,会选用高音区的木管乐器;在表现安详沉思的时候,往往会利用大提琴那凝重深沉的音区;而在表现飘逸神思的时候,可能会让小提琴声部在高音区轻柔地歌唱。

在一部作品中,作曲家不会只使用同一个音区,他们会利用音区的对比来造成新鲜感和情绪上的推进、变化,这样的例子数不胜数。例如,英国作曲家阿诺尔德()的《四首苏格兰舞曲》中的第二首,它的素材十分简洁,只用了一条活泼跳跃的旋律,但通过运用音区(还包括音色以及节奏)的变化,使音乐显得妙趣横生。

谱例:阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首:vivace(活泼的)

首先是乐队中音区较低的大管和在低音区吹奏的单簧管;第二段是音区略高的长笛,但它是长笛本身的中低音区,与此同时,伴奏的乐器采用不同于主旋律的音区,形成了鲜明的对照;在第三段里,作曲家再次换了一个音区(也换了一个调),比刚才还要高些,这是小提琴组的声音,但第二个句子就又换成了低音区的大提琴。第四段是音区更高的小提琴组以及小号,第五段是在中音区的木管组和弦乐拨弦。第六段速度变慢,低音区的大管再次成为主角。第七段是中音区的单簧管。

曲例一:阿诺尔德《四首苏格兰舞曲》第二首:vivace(活泼的)

从上面的例子可以看出,音区是音乐写作中十分有效的手段,它的变化会带给听者新鲜的意趣和生动、丰富的联想。

力度(dynamics)是音响强弱的程度。它和音区一样,也是一个相对的概念,不能简单地用物理学中的分贝单位标准来衡量。

力度标记通常采用意大利语的音乐术语。作曲家在乐谱上标有详细的力度标记,从最弱的到最强,通常可分为十几个层次,每一个层次的力度都是一个相对值。piano,是弱的意思,缩写为p,p越多就越弱,最多可有5个p,那就是极弱极弱。forte,是强的意思,缩写为f,f越多就越强,假如乐谱上标有五个f,那就是相当强,演奏者必须竭尽全力地演奏。除了这些记号以外,还有很象是数学中的小于号和大于号的渐强和渐弱记号,以及突强突弱记号等等。

需要说明的是,在音乐中力度的变化是非常细致而复杂的,繁琐地把一切细微的力度变化都标记出来显然是不可能,也是不必要的,每个演奏家都会在作曲家的提示下,根据自己的感觉来做出具体细致的力度变化。

力度变化是重要的音乐表现手段。它可以表达丰富的情感,并造成音乐的对比和发展。一般来说,力度越强,音乐越紧张、雄壮,力度越弱,音乐越缓和、委婉。如表现万众欢腾,胜利凯旋,要大型乐队全奏、强奏(全奏是指整个乐队都演奏,音区从低到高都包括在内),而鸟语花香、花前月下,当然就不会使用很强的力度了。这里还要强调一下,音乐要素的互相配合会造成丰富多样的效果,因此有时候弱的力度不一定柔和委婉,它也可能是令人紧张的。

以挪威作曲家格里格(grieg)的管弦乐组曲《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》为例进一步分析。剧中主人公培尔*金特是一个浪荡子,在村子里干了许多坏事,被大家痛恨,不得不远离家乡去外面闯荡。一次,他来到了山大王的宫中,引出来了许多大小妖怪,冲着他喊叫,把他吓得魂不附体。作曲家为这个场景写了一段十分有趣的音乐,起初的力度很弱,逐渐加强,直到非常响亮,成功地描绘了越来越多的妖怪以及他们越来越疯狂的舞蹈。全曲只有一个旋律素材,但通过力度、音区和节奏、音色的变化,获得了极其生动的表现效果。

谱例一:格里格《培尔*金特》中的《在山大王的宫中》主题旋律

曲例一:《在山大王的宫中》

再举一个类似的例子。这是俄罗斯作曲家斯特拉文斯基(stravinsky)的芭蕾舞剧《火鸟》终曲。舞剧故事大意是:一个王子打猎时遇到了一只羽毛金光闪闪、象火焰一样美丽的大鸟。火鸟恳求王子不要打它,并给了王子一支羽毛,告诉王子今后在遇到了困难的时候,只要对着羽毛呼唤,它就会立即前来相助。王子放了火鸟,后来他真的遇到了困难,当他想解救一个被魔王施了魔法的公主时,因势单力薄,打不过魔王,紧急中他想到了火鸟的许诺,拿出那根金光闪闪的羽毛呼唤起来。果然,火鸟立即出现了,他们齐心协力,砸碎了一个巨大的蛋,使魔王丧失了他的魔力,最后他们救出了公主。在全剧的最后,作曲家斯特拉文斯基写了一段终曲,从很弱的力度逐渐加强,直到极强,音区是从中音区开始逐渐提高,造成从朦胧神秘到逐渐明朗的音响效果,节奏也是从缓慢渐渐加快,在达到极快之后,又放慢下来,节奏拉宽,最后给人以获得胜利后无比自豪的感觉。

谱例二:斯特拉文斯基舞剧《火鸟》的终曲

曲例二:《火鸟》的终曲

对力度这个要素的运用,作曲家们都非常精心,所以演奏和演唱者也都要十分注意把各种力度层次做出来。我们常常听到有些初学乐器者在力度运用上要么是能力有限,控制不了乐器的力度,要么就是对乐谱上的力度标记视而不见,以为只有音符才是音乐,结果演奏得毫无趣味可言。人们通常说的"缺乏乐感"常常就是指演奏上缺少力度变化和丰富的.力度层次。

总之,通过力度变化产生的音响可以表达愤怒呼号、急风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果敢刚烈等强烈的情感,也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰爱抚、叹息抽泣、甜蜜幸福等内心的微妙感受,还可以表达空谷回声、黄昏钟鸣、高山流水、小溪潺潺等大自然的奇观美景甚至阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之,力度的表现力是相当丰富的,可以说它是一种富有"魔力"的音乐要素。

旋律(melody)也称作曲调,是一连串乐音的有组织的进行。

与其他要素相比,旋律在音乐中的地位最突出,自然也就是最主要的表现手段。可以说,任何人在听了一首作品之后,首先记住的就是旋律,它是可以由我们哼唱出来的,而其他要素如单纯的音区、力度、节奏,离开了旋律,简直就无法独立存在,所以有人说,旋律是音乐的灵魂。不过,在有些音乐中,旋律并不占有至高无上的地位,比如二十世纪的一些新颖独特的作品,是以音色为主要的构成因素,而非洲的鼓乐则主要是由各种节奏组合而成的。限于篇幅的原因,本节内容不涉及这一类特殊的音乐。

旋律和我们的日常语言关系十分密切,最早的音乐,它们旋律的曲折变化,是依附于语言本身的,可以说,它就是将语言中的音高加以夸张得来的。比如我们中国人的吟诗,就是将诗句用较为音乐化的调子朗读出来,西方古老的圣咏也是这样。后来渐渐地有了不依附于语言的音乐旋律,但如果仔细想想,这些形态各异的旋律仍然和语言有着深层的关系,比如曲折婉转的旋律,有如亲切的谈话;短促有力的旋律,很象是命令或惊叹的口气;下行的旋律就如同我们日常生活的熟悉的叹气声,它往往用来表现哀伤的哭泣或沉重的叹息。

正因为旋律具有情感色彩,它能引起人们情感上的共鸣。作曲家就利用这一特征,来写作表现各种各样情绪的旋律。例如贝多芬(beethoven)第五交响曲末乐章的开始部分:

谱例一:贝多芬第五交响曲末乐章主题

曲例一:贝多芬第五交响曲末乐章主题

它的旋律是有主和弦分解而成的号角音调,棱角分明,具有英雄气概。这种旋律特性是贝多芬的一个鲜明的标志,是他的个性语言。

再举一个例子,这是柴科夫斯基(chaikovsky)的第六"悲怆"交响曲的末乐章主题,以下行音调为主,听上去有如哭泣一般:

谱例二:柴科夫斯基第六交响曲末乐章

曲例二:柴科夫斯基第六交响曲末乐章

用来描绘悲怆情感,这旋律是非常贴切的。而在这部交响曲的第三乐章,柴科夫斯基描写的是年轻时的奋斗,它的旋律则是另一种形态,高亢铿锵,富有阳刚之气的:

谱例三:柴科夫斯基第六交响曲第三乐章

曲例三:柴科夫斯基第六交响曲第三乐章

这条旋律显示出的是奋发向上的精神,它也有类似于贝多芬的号角音调的特征。

我们再来分析两条旋律,选自柴科夫斯基的幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》。这是受莎士比亚的同名戏剧故事启发而作的,讲述了一对相爱的年轻人因家族的仇恨不能结合,最终双双殉情的悲剧故事。剧中的两个主题就是"恨"与"爱"。作曲家柴科夫斯基用生动的笔法描绘了这两种截然不同的情感:

谱例四:柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题1

曲例四:《罗米欧与朱丽叶》主题1

谱例五:柴科夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》主题2

曲例五:《罗米欧与朱丽叶》主题2

显而易见,第一条旋律是用来描绘仇恨与斗争的,它棱角尖锐,音符短促,节奏十分不稳定;而第二条旋律舒展、歌唱性强,听上去很深情,可以想像它是描绘爱情的。从这一点上我们可以看出旋律与语言的密切关系,也由此得出结论:听者应该能够从作曲家的旋律中听明白他所想要表达的情感。

作曲家的创作个性在旋律中的表现是很鲜明的,不同的国家、民族又有不同的旋律特色,正如它的人民有不同的文化背景和个性一样。而且各个时代也有它自己的时代特征,比如我国的抗日歌曲,就反映了特定年代人们的思想感情。民歌和戏曲、说唱音乐,也有其旋律特色,京剧的高亢昂扬和江南越剧的委婉秀丽,是很有代表性的。

在一部大型作品中,往往要用很多条性格不同的旋律,他们形成对比和发展,使音乐向前推进。比如前面提到的柴科夫斯基的《罗米欧与朱丽叶》,两条主题旋律在后面都有发展,表现仇恨的、斗争的那一条旋律(曲例三)变得更加激烈、尖锐,爱情主题(曲例四)则变成了悲剧性的高潮,起到了催人泪下的效果。

然而,那些不带文学性、描绘性标题的器乐曲(称之为"纯音乐")应该如何去理解呢?我们还是再举一个例子,这是莫扎特(mozart)著名的g小调第40交响曲第一乐章,它的主题是由气息短促的、带点跳跃的音符组成的,副题则相对来说比较舒展,带有抒情的气质。

谱例六:莫扎特第40交响曲第一乐章主题:

曲例六:g小调第40交响曲第一乐章

谱例七:莫扎特第40交响曲第一乐章副题:

曲例七:g小调第40交响曲第一乐章

这就是构成第一乐章的两个主要素材,在音乐进行当中,它们发展、变化,并不时地还有新的素材加入进来,构成丰富多变的音乐洪流。每个人都能感觉到它的涌流,感觉到它的变化和不断的推进,就像我们可以感觉到在崎岖不平的河床上,河水的流动也是千姿百态一样。能够体会到这些运动的趣味和美感,就是理解了作曲家的意图了,至于它让人产生的联想,那是仁者见仁,智者见智的事。

当我们听得多了,对音乐的感受力会越来越敏锐,想象力也会变得更加丰富,这时就会从音乐审美的过程中获得更多的快感。也许不久以后你就会从旋律中辨认出这是西方的浪漫主义还是巴罗克风格,辨认出这是巴赫还是贝多芬,是肖邦还是李斯特,或者,是我国云南民歌还是蒙族民歌。

旋律,是通向音乐世界的一条小径。

音色(tone-colour)是指乐器或嗓音的音质。

在生活中我们常说,某某人的嗓子音色很美,或音色沙哑、独具个性。我们还会评价小提琴家或钢琴家"音色丰富多变",甜美或如洪钟般辉煌……等等。这些,都不包括在我们要讲的音色概念中,我们这里要说的音色,在中国的辞典里称作"音品"或"音质",即某种人声(如男高音、女高音)或某种乐器特有的声音种类。

以人声来说,女高音嘹亮柔美,男高音挺拔高亢,女中音比较暗一些,浑厚而温暖,男中、男低音则是庄重厚实,给人一种坚定的感觉。乐器的音色种类就更丰富了,小提琴的纤柔灵巧,大提琴的深沉醇厚,双簧管的优雅甘美,小号的英雄气概等等……。作曲家对于音色的运用非常讲究,这些各种各样的声音特质对他们来说,就象是画家手中的色彩一样,会令他们的旋律、和声、节奏、力度产生鲜明的效果。

每一种音色都有着特殊的意味。假设你要写一首描写男子汉英雄形象的进行曲,你不大可能选择小提琴、长笛、双簧管这一类音色纤柔的的乐器,而是会考虑响亮有力的铜管,如小号、长号。再假如,要写一首表达缠绵爱情的乐曲,定音鼓、大镲肯定是不行的。由此我们可以看出,音色有着特别的表现力。

音色还有模仿的作用。如模仿暴风雨,我们需要强烈的音色,而微风吹拂,则要用柔和的音色。法国作曲家圣-桑(saint-saens)在他的组曲《动物狂欢节》中非常生动地描绘了各种动物的形象,其中的"大象"一曲是用乐队的低音区来描绘大象的笨重,音色则是声音粗拙的倍大提琴。

曲例一:圣-桑《动物狂欢节》中《大象圆舞曲》

倍大提琴的音色对大象来说是再合适不过了。乐队中的低音乐器还有其他种类,如大号、低音单簧管、大管,但它们都比不上倍大提琴合适,因为大号的声音较硬,有一种冷冰冰的威慑力,低音单簧管和大管又嫌淡薄了点,不像是大象那粗壮的体态和沉重的舞步。

木管乐器中的长笛、双簧管、单簧管,常常被用来描绘大自然,因为它们的音色犹如鸟儿的鸣啭,或者是田园牧笛。贝多芬在第六"田园交响曲"第二乐章末尾用木管所写的一段模仿鸟儿歌声的音乐,非常逼真:

曲例二:贝多芬《田园交响曲》第二乐章末尾

贝多芬在这里用长笛、双簧管和单簧管来模仿描绘鸟儿的歌唱,其明亮、轻盈的声音会使人立即联想到可爱的小鸟和美丽的大自然风光。这部作品的第四乐章是"暴风雨",贝多芬先让小提琴奏出短促的音符和嗖嗖凉风似的短促动机,倍大提琴则在低音区奏震音,这隆隆的声音就像远处的滚雷,然后,木管和定音鼓加入进来,力度逐渐增强,突然间铜管咆哮起来,定音鼓重重地捶击,毫无疑问,"暴风雨"降临了。贝多芬在这里动用了整个管弦乐队的能量。

曲例三:贝多芬《田园交响曲》第四乐章"暴风雨"开头

这部作品的第五乐章标题是"牧歌,暴风雨过后的感恩心情"。贝多芬先用单簧管那鸟儿歌声般的声音,宣告雨过天晴,大地恢复了宁静安详。圆号的呼应像远处群山的回声,又象是猎人们重又吹起了猎号。之后小提琴以明亮的声音唱起感恩之歌,表达了作曲家发自内心的幸福和赞美之情。这条旋律越来越明亮,情绪越来越饱满,高潮处加用了铜管辉煌的音色。

曲例四:贝多芬《田园交响曲》第五乐章的开头

每一种乐器或人声种类都有它特定的表情意义和描绘功能,或者说特定的音色。但作曲家不会满足于这些"原色",他们要使各种音色加以混合,要用不同的演奏法对音色进行改变,以此来扩大音色的种类和表现力。这种技巧就叫做配器(orchestration)。

作曲家们必须精通配器法,熟悉各种乐器搭配出来的效果。如长笛与大管齐奏,会使大管暗淡的音色镀上一层银光;又如三角铁在某处轻轻敲几下,会增添一种闪闪发光的感觉;定音鼓滚奏的时候,让大镲也轻轻震动,它会为定音鼓浑厚朦胧的声音带来一层金属般的光泽……除了乐器不同种类的结合,使用乐器数目的多少也会产生不同的效果。一把小提琴的独奏与全部小提琴声部(一个乐队里通常会有二十把左右的小提琴)的齐奏,所获得的音色肯定是不一样的。

演奏法(每种乐器的演奏技法)与音色也有着密切的关系。在乐器刚刚发明的时候,演奏技法很简单,但随着一代又一代人的探索,演奏技法越来越丰富、越来越复杂,这些演奏法会使一件乐器获得多种音色。以小提琴为例,它可以是长线条的连弓演奏,其效果是歌唱性的,它还可以用双弦技巧,即一弓同时拉奏两个音,这种类似于二重唱的声音自然比较丰满,它还可以是短促的跳弓,即让琴弓在弦上轻轻地跳跃着拉奏,弓与弦之间的接触十分短暂,这可以获得轻盈活泼的声音。或者还可以不用弓子,而是用手指拨奏琴弦,获得弹拨乐器特有的颗粒性音响效果。小提琴大师帕格尼尼(paganini)在演奏技巧上的创新,使这件古老的乐器出现了前所未有的魅力。我们选他的《24首小提琴随想曲》中的几个片段来领略不同演奏法带来的各种音色:

曲例五:帕格尼尼小提琴随想曲no.1

曲例六:帕格尼尼小提琴随想曲no.2

曲例七:帕格尼尼小提琴随想曲no.3

曲例八:帕格尼尼小提琴随想曲no.4

曲例九:帕格尼尼小提琴随想曲no.10

混合音色和演奏法可以使原本有限的音色变得无限丰富,而新的乐器还在音乐发展的进程中不断涌现,如20世纪高科技的产物"电子合成器"(synthesizer),是一种依靠电子技术发声的乐器,不仅可以模仿乐器和人声,还能做出想象中的太空神秘的声音,战场上的声响,门窗破碎和狂风呼啸等等,只要想象得出来,几乎都可以实现。在影视作品中,电子合成器起到了非常重要的作用。

曲例十:马斯卡尼《乡村骑士》中的间奏曲片段

作曲家常常将电子合成器与管弦乐队配合使用,使整个音响既有亲切和真实感,同时又有一种空灵、神秘的效果,会令人产生无限的遐想。

曲例十一:cd唱片《神秘园》选曲

前面着重介绍了音色在表现特定情绪、描绘形象方面的作用,实际上更为常见的是作曲家纯粹从音响的变化、对比角度来运用音色,尤其在较长大的作品中,音色的变化更是频繁、丰富。它起着结构上的对比、推进以及形成对称等等作用,这将在我们欣赏经验的不断提高中体会到。

音乐欣赏名曲篇八

1.初步欣赏歌曲,感受歌曲活泼欢快的节奏既充满幻想期望的情感,并尝试用语言进行表述。

2.经过图片理解歌词资料,并能根据歌词资料展开大胆的想象。

3.激发幼儿对生命的关注和热爱。

初步欣赏歌曲,感受歌曲活泼欢快的节奏既充满幻想期望的情感,并尝试用语言进行表述。

理解歌词资料,并能根据歌词资料展开大胆的想象。

教学挂图、课件、白纸和彩笔。

一、开始部分

教师谈话,调动幼儿学习的进取性。

你们喜欢太阳吗?为什么?(因为有太阳的地方会变得温暖又明亮),世界上有几个太阳呢,有个小朋友认为一个太阳不够,他想种太阳,为什么呢,我们一齐欣赏一首歌曲《种太阳》。

二、基本部分

1.播放课件,引导幼儿欣赏歌曲。

提问:

(1)小朋友的愿望是什么?

(2)他为什么要播种太阳呢?

(3)他想把太阳送给谁?为什么?

2.教师再次引导幼儿欣赏歌曲,帮忙幼儿感受歌曲活泼欢快的节奏既充满幻想、期望的情感。

提问:

(1)这首歌曲听上去怎样?

(2)请你猜一猜歌里的小朋友在幻想中太阳的时候,他的心境是怎样的?

(3)这首歌曲是几拍子的?

3.出示挂图,教幼儿朗诵歌词,直到幼儿朗诵会为止。

4.教师引导幼儿再次欣赏歌曲,并鼓励幼儿大胆跟唱。

5.教师鼓励幼儿根据歌曲展开想象,并大胆表达出来。

(1)如果让你们来种太阳,你们想种出什么样的太阳呢?请幼儿用笔把他画出来?

(2)你们想把种的太阳送给谁呢?为什么?

6.教师根据幼儿的想象,改变歌曲部分歌词,引导幼儿欣赏,鼓励幼儿和教师一齐演唱。

三、结束部分

1.教师总结,对幼儿进行感恩教育。

2.下课休息。

音乐欣赏名曲篇九

第一段:引入音乐欣赏的主题及背景介绍(大约200字)。

《欢乐颂》是一部以女性为主线的电视剧,该剧以五个性格迥异、追求梦想的女主角为主线,讲述了她们在职场、婚姻、友情等各个方面的故事。电视剧的成功除了有精彩的剧情和演员的出色表演外,精选的音乐也是一大亮点。每个角色都有与之对应的主题曲,通过音乐的呈现,再加上电视剧中的情节,让观众更能感受到剧情的感动和角色的情绪。

第二段:对几个主要角色的主题曲进行音乐欣赏及评价(大约300字)。

欢乐颂中的五个女主角分别是吕思勉、安迪、宝儿、楚慧、韩佳人。其中,我最喜欢的是安迪的主题曲《小幸运》,这首歌曲讲述了一个普通人通过努力实现自己梦想的故事。这首歌曲旋律轻快,歌词简洁明了,给人以温暖和希望。而吕思勉的主题曲《不完美的我》则展现了一个追求完美却不得志的女孩的坚强与自尊。曲调抒情,歌词深入人心,让人不禁为她的坚持和勇敢击掌叫好。宝儿的主题曲《风衣》则表达了一个坚强女性的独立自主和自信。这首歌的旋律优美,歌词含义深远,让人感受到了女性的力量与魅力。

第三段:对其他角色主题曲的音乐欣赏及评价(大约300字)。

除了上述三位女主角外,《欢乐颂》中还有两位女主角—楚慧和韩佳人。楚慧的主题曲《我是一个女生》以及韩佳人的主题曲《虚拟》也各自展现了角色的特点和情感。《我是一个女生》是一首活力四溢的歌曲,快速的节奏和积极向上的歌词表达了楚慧的乐观和积极。而《虚拟》则带给人一种神秘和悬疑的感觉,歌曲的深情演绎了韩佳人的内心。

第四段:对整个音乐剧的统一性与和谐性的评价(大约200字)。

《欢乐颂》的音乐剧作为整个剧集的伴随,在节奏、旋律以及歌词上都与整个剧情相呼应。每个角色的主题曲都能够准确、直观地表达角色的性格和故事,使得观众更好地融入剧情。而剧中还穿插了一些优美的插曲,为整个故事增添了不少温情和情感。通过音乐的呈现,观众能够更加直观地感受到角色的情绪变化和内心的矛盾。

第五段:文化价值与个人收获的总结(大约200字)。

《欢乐颂》的音乐展示了现代女性困境与追求梦想的主题,在细腻的旋律和动情的歌词中呈现出女性独立、坚韧和渴望的形象。这种文化价值不仅能引起观众共鸣,也能够给正在为梦想努力奋斗的人提供鼓舞和动力。对于我个人来说,通过欣赏《欢乐颂》中的音乐,我深刻地感受到了女性的坚韧和无畏精神。同时,也被剧中的音乐所感染,更加坚定了我追求梦想的决心和勇气。

《欢乐颂》中所呈现的音乐精选准确,形式丰富多样,能够准确表达角色的情感和个性。无论是旋律动人的主题曲,还是插曲中温情的旋律,都让人为之动容。音乐与剧情的结合让观众更好地融入角色的世界,感受角色的梦想、坚持和无畏精神。通过音乐欣赏,我对《欢乐颂》有了更加深入的理解,也对自己的追求和梦想有了更加坚定的信念。

音乐欣赏名曲篇十

1.能用身体动作有节奏地表现跳跳糖。

2.能创造性地表现出不同的跳姿。

3.体验与同伴共同舞蹈的快乐。

1."会跳舞的跳跳糖"的音乐。

2.拟人化的跳跳糖胸饰若干、实物跳跳糖若干。

3.日常生活中可提醒孩子品尝跳跳糖,说说吃跳跳糖的感觉。

1.(出示跳跳糖让幼儿品尝)刚才小朋友吃了什么?

2.你吃的时候是什么感觉?(跳到嘴里甜又香)你觉得跳跳糖在嘴巴里是怎样跳舞的?(提示幼儿可用身体动作表现)老师结合箭头练习,向前跳、向后跳、跳得高、跳得低、转个圆圈。(可以在幼儿的腿上进行练习)(配伴奏)。

3.后来嘴巴里还有跳跳糖吗?没有了,对呀,不见了。

4.幼儿可跟着老师一起根据动作念歌词。

1.幼儿欣赏跳跳糖的歌曲。今天老师带来了一首好听的`跳跳糖的歌曲,我们一起来听一听,它是怎样跳的?最后它变成了什么?(欣赏老师唱)(如幼儿回答不出,教师再次范唱)。

2.幼儿学唱歌曲。

(1)歌曲里的跳跳糖是怎么跳舞的?(根据幼儿的回答把相应的图片放入图谱),一起来唱一唱。

(2)出示完整的谱子后,幼儿跟着谱子学唱。

(3)一次拿掉几张图谱,幼儿学唱。

3.幼儿一边唱一边在腿上练习跳跳糖,跳舞的动作。(配音乐)。

4.幼儿随音乐有节奏地模仿跳跳糖跳舞。

教师:(出示"巨人"的大嘴巴)"巨人"的嘴巴好大呀,今天"巨人"要邀请跳跳糖到它的大嘴巴里做游戏,一定很好玩。

2.跳跳糖跳进嘴巴时怎样用身动作表示呢?

3.跳跳糖跳出嘴巴不见时怎样用身动作表示呢?

5.幼儿游戏。一部分幼儿扮演跳跳糖,其余的幼儿手拉手围成圆圈表示大嘴巴拍手唱歌,然后交换。

1.区域活动:将磁带和胸饰投放在表演区供幼儿自由表演。

2.日常活动:尝试用绘画的形式表现会跳舞的跳跳糖。

音乐欣赏名曲篇十一

1、激发幼儿喜欢听各种曲子的兴趣,并学会简单的'欣赏。

2、感受曲子幽默、诙谐、讽刺的风格。发挥幼儿的想象力,能用语言及动作等多种方式表达自己对曲子的感受情况。

录音带、图片一套及跳蚤的故事。

一、律动《苹果丰收》。

四、幼儿绘画角色。

五、进行角色表演。

这其实是一个故事,很有趣的情节,通过图片来帮助理解情节,特别是很一个笑声都有所不同,代表的人物也不同,让幼儿说说这是谁的笑声?他为什么笑,启发幼儿说明原因。最后,小朋友还进行了表演活动,好。

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